De la carencia de la representación a la abundancia de la transparencia / Mercedes Lagarrigue

Dentro de la evolución del arte abstracto en América Latina podemos mencionar a la escultora venezolana de origen alemán, Gertrud “Gego” Goldschmidt 1, quien supo proponer un recorrido plástico con el fin de lograr la depuración de la línea en el espacio.

ego dibujaba sus líneas por medio un trazo sutil, orgánico y de carácter estructural donde debelaba sus preocupaciones sobre el sentido de la espacialidad y la transparencia, entre lo visible y lo invisible, lo concreto y lo ilusorio. Utilizaba materiales sencillos como alambre, aluminio y acero inoxidable, que le permitían dibujar en el espacio sin papel y sin lápiz, directamente con la línea en el marco del dibujo. Ella trasladaba sus delicados diseños al espacio como si dibujara en el aire por medio de una construcción donde todo punto final coincidía con el de partida.
En el marco de su producción artística encontramos obra gráfica, pictórica y tridimensional, en todas ellas la línea es su modo primario de expresión. En este sentido, hallamos afinidades conceptuales con Paúl Klee. 2. Ambos la utilizaban como instrumento visual y conceptual en busca de lograr transparencia en sus obras.
Para estos artistas, una línea suponía algo más que la sucesión de marcas entre los puntos; también, era el nexo activo entre dichas marcas. “La línea como concepto humano expresa la relación entre puntos en el espacio, expresando visualmente el pensamiento humano descriptivo. Inclusive, la línea era el modo de expresión visual del hombre para todo aquello que, por su índole, es imposible de ser visto (pensamiento, intuición, emoción) aunque radique en la conciencia humana”. 3.
Desde sus inicios Gego, tuvo una actitud crítica frente a la idea tradicional de la escultura y comenzó su investigación por medios no convencionales. La línea como elemento clave en su educación arquitectónica, le aportó un sinfín de posibilidades convirtiéndose en su principal medio de expresión. La escultora “está encantada por la línea en sí misma” (y) la define como un “objeto a jugar”. 4.

Si bien Gego sostenía que con contaba con referentes plásticos, aun así, se puede observar en sus primeras obras reminiscencias al arte cinético y óptico , incluso del constructivismo y el movimiento De Stijl donde la sensación visual del movimiento y la utilización de estructuras periódicas o sistemas seriales provocan ilusiones ópticas.

En sus esculturas (construcciones alámbricas, ensambladas con existencia y ausencia de estructura) las líneas crean disposiciones que se organizan y dan movimiento. Incluso se observa como el vacío se conviene en materia modeladora del espacio y el espacio en elemento constitutivo de la obra. Un todo que se integra generando valores en forma de luz y sombra que proyectadas en la pared crean dibujos que vienen a disputar de modo sutil el trazo físico de la línea, el vacío del plano y más aún, la falta de representación.

A partir de sus 42 años Gego decide dedicarse por completo a su producción plástica, de la cual, podemos distinguir diferentes etapas de elaboración como: Líneas paralelas, Retículas, Dibujos sin papel, Tejeduras y Bichos.

Hacia 1957, comienza a organizar y componer sus obras en base a Líneas paralelas y el espacio circundante. De sus primeros grabados (técnica de impresión) se observan líneas paralelas, superpuestas y en diferentes direcciones, en ocasiones interrumpidas por un elemento irregular, con trazos diferenciados creando planos, densidades y transparencias inscritas en el papel generando efectos vibratorios y cinéticos.

Años más tarde, emprende dibujos sin papel adaptando nuevos materiales y técnicas para la realización de esculturas en pequeño formato. Le sigue, a comienzos de 1969 la serie tridimensional Línea- retículas, que tras participar del IV Salón de Artes Plásticas de Venezuela con “Reticulárea” recibe el Premio Adquisición otorgado por el Museo de Bellas Artes de Caracas. Esta obra fue constituida por medio de una estructura ambiental hecha de delgadísimas varillas de acero inoxidable, tal vez su obra más destacada. En esta serie Gego constituyó un nuevo sistema estructural y espacial basado en la disposición de líneas a manera de redes o mallas que consistió en enroscar el final de cada alambre, de modo que los extremos puedan ser enganchados unos a los otros, o con varios. La flexibilidad de este sistema otorgó soltura y dinamismo introducido al espacio. La propuesta del infinito hacia adentro y hacia fuera mediante la adición de nuevos módulos reticulares referidos a una visión etérea de la escultura. Hacia 1971 varía a redes de cuadrados o rectángulos irregulares superpuestos que construyen, superficies onduladas o plegadas.
En la serie Los chorros dio lugar a cascadas irregulares de varillas colgadas del techo que no poseen estructura alguna. Así instauró un sistema de articulación donde las líneas caen verticalmente, construyendo una imagen de cascada, lo líquido del movimiento suspendido en el tiempo. En 1974 creó Los troncos y las esferas, obras con estructuras triangulares, esqueletos naturales. Dos años más tarde, inició su serie más extensa Dibujos sin papel, construcciones en el plano (bidimensional) sin fondo, que flotan creando dibujos enmarcados en el aire que se presentan frente a una pared, construyendo un modo virtual y una forma concreta. La línea se despega de la pared para adquirir volumen y vida propia.

A sus 76 años su salud se vio afectada por una grave artritis que le imposibilitó seguir trabajando de esta manera e innovó con la técnica del entretejido en papel. Su exploración dio lugar a la serie Tenedurías, donde entretejió con finas tiras de impresiones de sus propios monotipos (técnica de grabado), con los precintos dorados de las cajas de cigarrillos, revistas, etc. Creando tramas o mallas irregulares que se entremezclan.
Casi simultáneamente, se encuentra Bichitos, piezas tridimensionales de pequeño formato realizadas con materiales residuales. Según Marta Traba, Gego “piensa como un arquitecto, resuelve los problemas como un ingeniero y proyecta como un artista”.
En 1981, al ser entrevistada por el cineasta José Antonio Pantin, se le pidió a Gego que describiera el resultado más importante procurado por su trabajo con una sola palabra. Respondió: “Transparencia”. “Me interesa la transparencia del volumen para apreciar completamente una forma desde todos los ángulos de observación”.
Gego supo indagar mediante medios no convencionales y materiales sencillos su preocupación sobre la espacialidad y el juego de las transparencias, que le permitieron dibujar en el espacio sin papel y sin lápiz, generando la depuración de la línea en el espacio, en otras palabras, haciendo visible lo invisible mediante la abstracción._

_______________________________

1 Su nombre profesional proviene de las dos primeras letras de su nombre y las dos primeras de su apellido. “muy complicado para los venezolanos”, solía explicar Gego. Monsalve, 1990
2 Paúl Klee (1879-1940), pintor alemán nacido en Suiza, desarrolló un estilo que varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.
3 Gego, entre la transparencia y lo invisible. Catálogo MALBA – Textos de Mari Carmen Ramírez, Zegher, Store, Manrique. Buenos Aires, Argentina. 2009
4 Maria Helena Huizi y Josefina Manrique. Sabidurías y otros textos de Gego. The Museum of the Fine Arts, Houston, Fundacion Gego, Caracas, 2005, p. 169

Sin Titulo – 1966 Tinta sobre papel 65.5 x 50 cm

Sin Título – 1957 Tinta sobre papel 16.8 x 7 cm Colección Fundación Gego, Caracas a Mercedes

Sin Título – 1977

Vitacora de viaje
Cronología artística – biográfica – Gertrud Goldschmidt

Gego, (Gertrud Goldschmidt 1912-1994) nació en Hamburgo, Alemania. A los 12 años manifestó su interés por la pintura cuando ilustraba, con acuarelas, cuentos y poemas infantiles. En 1939 se graduó de Ingeniera, mención Arquitectura, en la Escuela Técnica de Stuttgart y emigró a Venezuela, donde obtuvo la nacionalidad en 1952. Se radicó en Tarmas, pueblo del litoral venezolano, junto al diseñador gráfico, artista y docente Gerd Leufert (su compañero de vida) quien la alentó -a sus 42 años- a formalizar su trabajo plástico. En 1954 realizó su primera exposición al participar del XV Salón Oficial Anual de Arte Venezolano.

En 1957 presentó sus primeras obras abstractas con el Sistema de paralelas. Un año más tarde, comienzo su labor docente en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad Central de Venezuela. Ejerció diferentes cargos docentes en importantes instituciones educativas de su país, tales como la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas (1958 – 1959), la Facultad de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela (1960 – 1967), y la Fundación Neumann – Ince (1964 – 1977).

En 1962 recibió el Primer Premio de Dibujo en la IV Exposición Nacional. Al año siguiente fue becada por Artist Fellow y viaja a Nueva York, donde desarrolla la técnica del grabado. Junto al escritor Alfredo Silva Estrada realizó el libro Lo nunca proyectado. En 1967 regresó a Caracas y recibió los premios Adquisición en el XXVIII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano y Nacional de Dibujo en el XXIX Salón Oficial Anual, celebrado en el Museo de Bellas Artes de dicha ciudad. Obtuvo en 1971 el Premio Bolsa de Trabajo, en el Salón Las Artes Plásticos en Venezuela. Cuatro años más tarde, viajó a Lausanne, Suiza, a fin de concurrir de la 7º Biennale Internationale de la Tapisserie

Participó del IV Salón de Artes Plásticas Venezuela con la obra Reticulárea, por la cual recibió el Premio de Adquisición otorgado por el Museo de Bellas Artes. La Orden de Andrés Bello la premió con la Medalla del Estado Venezolano.

En 1979 su país le efectuó un reconocimiento a su trayectoria concediéndole el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Su obra ha sido expuesta en instituciones y colecciones tanto públicas como privadas, muchas de ellas fueron resultado de importantes retrospectivas, entre otras, podemos destacar: Museo de Bellas Artes, Caracas; Galería de Arte Nacional, Caracas; Museo de Arte Contemporáneo, Caracas; Museo de Barquisimeto, Barquisimeto-Venezuela; The Museum of Modern Art, (MOMA) New York; Library of Congreso, Washington; Art Institute of Chicago, Chicago; Grunwald Graphic Art Center, Los Angeles; Jack S. Blanton Mueum of Art, Austin; Bienal Americana de Grabado, Santiago de Chile; Bienal de San Juan, Puerto Rico; Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires; Museo Nacional Reina Sofía, Madrid y Museo de Arte Contemporáneo, Barcelona.

Falleció el 17 de septiembre en Caracas. Dejando para nuestro deleite una producción de 1.150 obras originales sobre papel y 160 dibujos sin papel.