Crisis del arte en occidente EL INICIO DEL ARTE MODERNO

por Héctor H. Grandi
(artista plástico)

Es habitual, hablar de cultura en términos de arte y de otras actividades intelectuales ligadas mayoritariamente a la vida citadina.
Podemos llamar a esto, cultura en sentido estricto o reducido. Es en realidad, el emergente de algo mucho más abarcativo.

Cultura, en sentido amplio, es el producido en recursos humanos, materiales, intelectuales y espirituales, de un grupo social en una geografía y momento histórico determinados.
También, la moral derivada de sus ancestros y de las interrelaciones de su presente. La antigüedad comunitaria, el desarrollo científico y tecnológico, la densidad poblacional, la tasa de natalidad (positiva, neutra ó negativa).
La disponibilidad de recursos, el modo de explotación y distribución de las riquezas; el clima, la extensión territorial, el litoral marítimo (si lo hubiere), la estructura familiar y social, el desarrollo del inconsciente colectivo, etc., serán ítems ineludibles y necesarios en el análisis de la composición cultural de un pueblo.
La creación: arte, ciencia y educación, es en la actualidad, el único camino posible a la libertad que nos queda a los seres humanos.
El artista crea y sus obras le pertenecen pero no en su totalidad. Trabaja para sus contemporáneos y con los elementos que aporta la cultura circundante.
Su importancia radica en ser el escriba de las verdades extremas de los seres humanos; de lo bello y lo siniestro, lo sublime y lo perverso, de aquellas cosas en suma, que muy pocas personas se atreven a ver en sí mismas.
El devenir histórico muestra con claridad la influencia de la cultura de cada época y cada lugar sobre la creación artística.
Ello se hace más visible en tiempos de crisis.
Las dos grandes crisis del arte en occidente son el renacimiento y el inicio del arte moderno, precedido éste por el impresionismo el neoimpresionismo y el posimpresionismo. En ambos casos acompañan profundos cambios en lo social, científico y tecnológico.
En esta oportunidad me referiré a la segunda crisis, la más reciente; sus implicancias afectan aún hoy a la cultura en general y muy particularmente al arte.

Obra, La Poseuse de face, por Seurat
El neoimpresionismo se basa en lo técnico, sin subjetividades ni pasiones.
Está fuertemente influenciado por las experiencias científicas sobre la luz de Chevreul y otros. Seurat da base teórica en el divisionismo y llama puntillismo al modo de ejecución

El Cambio

En 1827, una placa preparada con betún de Judea dispuesta en una cámara muy primitiva y expuesta durante ocho horas a la luz produce la primera fotografía del mundo. Su autor, el francés Nicéforo Niepce.
Louis Dagerr, francés también, presenta el 19 de agosto de 1839 en la Academia de Ciencias de Paris su Dagerrotipo, que permite en tres o cuatro minutos obtener una fotografía con mayor definición. Las placas usadas eran de yoduro de plata.
Al ver un Dagerrotipo el pintor Paul Delaroche exclamó: desde hoy la pintura está muerta!
Delacroix, excelente pintor y precursor del impresionismo, fue miembro distinguido de la primera sociedad fotográfica de Francia.
Escribía en su diario: si el artista usa el Dagerrotipo como es debido, elevará su arte a niveles extraordinarios; también, en la naturaleza todo es reflejo y puedo pintar una Venus con barro si me dejan poner alrededor los colores que quiero.
Corot recomendaba someterse a la primera impresión.
Courvet, pintar lo que se veía.
El impresionismo se hacía realidad.
Hay una corriente subterránea de clasicismo que aparece y desaparece desde el siglo XVII hasta el presente. Los representantes en esa época fueron Degas y Rendir.
Pintar al aire libre, plasmar el instante. Solo Fantin-Latour y Pizarro (cuando tenía sus ojos enfermos) trabajaron en el taller, Degas también lo prefería y solo pintaba al aire libre las carreras de caballos.
Los impresionistas trabajan rechazando la solidez de las formas. Deterioran los contornos con luces fuertes y ponen color en las sombras.
Penetran de esta manera la esencia de las cosas y agotan la pintura naturalista.
Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, pintores y el escultor Rodin entre muchos otros, dejaron una muestra de sus búsquedas y logros en una bella sucesión de obras maestras. Cada uno de ellos ha sido estudiado en profundidad por varios autores que supieron encontrar un sano equilibrio entre sus libros y el mito personal que los acompañó o se generó a posteriori.
Este grupo, que buscó tal vez más que ningún otro la aprobación de sus contemporáneos fracasó en ese aspecto. La esclerosada autoridad de la Academia francesa, fue un freno imposible de superar.
El movimiento se agota y algunos de sus miembros comienzan a buscar nuevos rumbos.


Se presenta al público en 1884 (Bañistas) y se consagra
en la última exposición impresionista de 1886 (Grande Jatte)

Autorretrato, Paul Gauguin
(1848-1903)
Unos días antes de su muerte, escribe un testimonio durísimo.
Se conocerá luego con el título de “antes y después”. En un párrafo que marca con claridad la imagen que tenía sobre su vida y su arte escribe: el público no me debe nada, los artistas me deben la libertad.

Los Nombres

La corriente reestructuralista que aparece a causa de la crisis impresionista, tiene como premisa: recuperar al hombre conciente, en su relación con la naturaleza y con su espíritu.
Será denominada con los nombres de neoimpresionismo y posimpresionismo y constituyen un solo lenguaje.
Seurat, Van Gogh, Gaugin y sobre todo Cézanne, serán sus máximos exponentes.
El neoimpresionismo se basa en lo técnico, sin subjetividades ni pasiones. Está fuertemente influenciado por las experiencias científicas sobre la luz de Chevreul y otros.
Seurat da base teórica en el divisionismo y llama puntillismo al modo de ejecución.
Se presenta al público en 1884 (bañistas) y se consagra en la última exposición impresionista de 1886 (Grande Jatte).
Luminosidad, coloración y armonía (todas las tintas y todos los tonos del prisma). El resultado es un espacio plano que respeta las dos dimensiones del cuadro y una luz pictórica y difusa que reemplaza a la luz natural de las obras impresionistas.
Seurat murió joven (31 años), dejó una escasa producción pero de enorme valor estético y más aún para el devenir histórico de la pintura.
Paul Signac (1863-1935), pintor y amigo de Seurat, lo sucedió en la jefatura de la tendencia “de los colores del prisma”, como solía decir.
Vincent Van Gogh (1853-1890).
Vive aún rodeado de un mito poderoso que le fue proporcionado por su obra, su vida atormentada y marginal y el rechazo social que lo acompañó permanentemente.
Al fracaso en el amor, en su vocación de pastor, en su habilidad para proveerse el sustento se sumó la falta absoluta de reconocimiento artístico, por parte de sus contemporáneos cuando ya estaba por completo dedicado a la pintura.
Se lo asocia siempre con la locura pero sus obras fueron realizadas en momentos de cordura y con un afinado análisis previo.

La libertad de ejecución, su pincelada única y personal y sobre todo el color, al que asociaba con los sentimientos, fueron sus aportes al arte moderno. El amarillo, color del optimismo y el amor. El rojo y el verde expresando las pasiones humanas…
La sospechosa ironía del devenir social hizo que en los últimos años, sus obras adquirieran asombrosos valores monetarios.
Vincent era también un escritor de buena factura. Pueden encontrarse muchas claves sobre el desarrollo de su pintura en las numerosas cartas enviadas a su hermano. Las mismas han sido recopiladas bajo el nombre de “Cartas a Teo”.
Paul Gauguin (1848-1903) Es parisino de nacimiento. Su personalidad es fuerte, aventurera y renegada de los códigos sociales de su época.
Después de una etapa burguesa que le proveyó familia, varios hijos y solvencia monetaria queda desprovisto de ingresos al perder su trabajo como corredor de bolsa tras la crisis financiera de 1882.
Su vida cotidiana, será en el futuro una sucesión interminable de fracasos. Se inicia como pintor en el impresionismo.
En 1888, en Pont-Aven (Bretaña), conoce a Emile Bernard. Este joven pintor, aporta nuevas ideas: importancia concedida al tema, composiciones que representen acciones y no solo paisaje, dibujo delimitado con precisión, color no fragmentado y distribuido en grandes zonas…
Gauguin asume estas pautas y realiza ese año la visión después del sermón o lucha de Jacob con el Angel. Su importancia crece; se le atribuye la paternidad de la escuela de Pont-Aven.
El mito personal, que es aquí una realidad no dejará de crecer en el futuro. Lo pone por encima de Emile Bernard que fue en realidad quien cimentó las bases del grupo sintetista.
Proyecta fundar el taller de los trópicos en Tahití. El “gesto” de buscar en Oceanía lo que París no le daba, no es ingenuo. Sabe que ejercerá influencia como hombre y como artista.
En 1895 se embarca en Marsella y ya no vuelve a Francia. Se instala primero en Tahití y luego en las Islas Marquesas. Dos años después intenta suicidarse.
Su defensa de los nativos maoríes lo pone en enfrentamientos constantes con las autoridades locales.
En 1902 decide regresar a Francia. Una carta de Monfreid diciendo que su “mito” se vería lastimado lo retiene en las Islas Marquesas.


El Merendero -primera etapa parisina-,Vincent Van Gogh (1853-1890).
Se lo asocia siempre con la locura pero sus obras fueron realizadas en momentos de cordura y con un afinado análisis previo. La libertad de ejecución, su pincelada única y personal y sobre todo el color, al que asociaba con los sentimientos, fueron sus aportes al arte moderno

Su pintura en constante evolución, la xilografías simplificadas y las esculturas en bajo relieve, tuvieron fuerte influencia sobre los “fauces”, los expresionistas alemanes y luego sobre Miró y Arp.
Muere leproso y sifilítico el 8 de mayo de 1903. Unos días antes, escribe un testimonio durísimo. Se conocerá luego con el título de “antes y después”.
En un párrafo que marca con claridad la imagen que tenía sobre su vida y su arte escribe: el público no me debe nada, los artistas me deben la libertad.
Paul Cézanne (1839-1906) nace en Aix-en-Provence el 10 de junio de 1839 en el seno de una familia burguesa. Su padre era banquero y lo proveyó económicamente. No tuvo que luchar por el sustento.
Es tímido y pudoroso; su conducta es hermética. No permitía que nadie lo toque ni siquiera en el hombro.
Su única confesión de vida, es su obra. Teme a las mujeres y pinta desnudos utilizando fotografías.
Mantuvo una larga amistad con el escritor Zola, compañero desde la infancia. Zola, lo trató siempre como un genio malogrado y artista frustrado.
En 1886 Zola publica la novela L`oevre. Su protagonista (Lantier) es un pintor fracasado. Cézanne se ve retratado en ella y por carta concluye su amistad. Ya no volverán a verse.
Vivió una serie interminable de rechazos. Se retira de los salones y dice: el aislamiento he aquí algo de lo que soy digno.
Después de una convivencia y de haber tenido un hijo, se casa con Hortense Fiquet.


El puente de Mainey -1882-1885-, Paul Cézanne (1839-1906)
Casi todos los ismos del arte moderno, le deben algo a Cézanne.
Los expertos dividen su obra en cuatro períodos:
oscuro, impresionista, constructivo, creativo.

El reconocimiento le llega tarde. En la exposición internacional de París de 1900, figura con tres telas en la retrospectiva del arte francés. En 1904, el salón de otoño le dedica una sala entera.
Muere el 22 de octubre de 1906. casi todos los ismos del arte moderno, le deben algo a Cézanne.
Los expertos dividen su obra en cuatro períodos: oscuro, impresionista, constructivo, creativo.
El primer período oscuro que él llama Couillarde tiene influencia de Monet-Courbet y Delacroix.
En 1874 se relaciona con Pissarro y comienza una evolución importante en su pintura. Nunca será un impresionista típico, pues no parte de la impresión, sino de la sensación; es un reflexivo.
Después de la crisis impresionista, sabe que sólo puede aprender de sí mismo.
Los dos períodos posteriores, el constructivo y el creativo, proveerán una cantidad importante de obras maestras y serán determinantes en el desarrollo del cubismo y del arte abstracto en el siglo XX.
En 1907 el salón dÀntomne inaugura una retrospectiva con cincuenta y seis lienzos y dibujos al mismo tiempo la galería Bernteim Jeune expone setenta y cinco acuarelas suyas.
Picasso y Braque, influenciados por su obra y el arte negro, inician el período cubista.
El punto de vista único se transforman en muchos puntos de vista “el mapamundi convertido en planisferio”. El cuadro ya no será una ventana al infinito colocado entre pilastras y dinteles.
Al respetar las dos dimensiones del plano tendrá entidad propia.
El concepto de escuela será reemplazado por el de vanguardia.
El mundo en que se gesta este arte es un mundo convulsionado. El capitalismo industrial está a pleno. El proletariado, tiene ya entidad de clase.
Crecen las ciudades y su conurbano; se agudizan los conflictos sociales en cada país. También entre países, por la posesión de los mercados.
En 1905, hay sucesos revolucionarios en Rusia y Albert Einstein, pone una luz naranja sobre la filosofía de Kant al presentar su visión reducida de la teoría de la relatividad.
Desde la ciudad luz, la Torre Eiffel será el señalador para el libro del nuevo siglo.